역사상 가장 비싸게 팔린 그림 TOP 10

No.5, 누워있는 나부, 알제의 여인들 버전 O, 마르텐 솔만스와 오피옌 코피트의 초상화, No.6, No.17A, 언제 결혼하니, 카드놀이하는 사람들, 인터체인지, 살바토르 문디 세계의 명화 중 가장 비싸게 팔린 그림의 순위를 알아보겠습니다.

 

10위. No.5

No.5

금액 : 1,764억 원

화가 : 잭슨 폴록

 

잭슨 폴록의 No. 5, 1948년은 캔버스에 에나멜과 유리 페인트로 칠한 추상 표현주의 그림입니다. 가로 8피트, 세로 4피트의 대형 작품입니다. 폴록의 가장 유명하고 중요한 작품 중 하나로 간주됩니다.

 

이 그림은 폴록이 '드리핑'이라는 기법을 사용하여 만들었습니다. 이 기법에서 그는 캔버스를 바닥에 놓고 막대나 붓에 페인트를 뿌려 냈습니다. 그는 종종 캔버스를 움직여 페인트가 흐르도록 했습니다. 이 기법을 사용하여 Pollock은 액션 페인팅이라고 알려진 자발적이고 표현적인 그림 스타일을 만들었습니다.

 

No. 5는 흰색 캔버스에 흐르는 흑, 갈색, 녹색, 노란색 페인트의 덩어리가 있는 추상적인 작품입니다. 그림은 움직임과 에너지의 감각으로 가득합니다. 페인트의 덩어리는 춤추는 것처럼 보이고 색상은 서로 충돌하는 것처럼 보입니다. 이 그림은 혼돈과 폭력의 느낌을 불러일으키지만 동시에 아름다움과 힘의 느낌도 불러일으킨다.

 

No. 5는 추상 표현주의의 걸작으로 간주됩니다. 이는 폴록의 가장 유명한 작품 중 하나이며 세계에서 가장 중요한 현대 미술 작품 중 하나로 간주됩니다. 뉴욕 현대미술관(MoMA)에 소장되어 있습니다.

 

이 그림은 액션 페인팅의 예로 널리 알려져 있습니다. 액션 페인팅은 1940년대 후반과 1950년대 초 미국에서 등장한 추상 표현주의의 한 형태입니다. 액션 페인터들은 예술가의 자발적인 몸짓과 감정 표현을 강조했습니다. 그들은 종종 붓이나 다른 도구를 사용하여 페인트를 캔버스에 던지거나 쏟아냈습니다.

 

No. 5는 잭슨 폴록의 가장 유명한 작품 중 하나이며 액션 페인팅의 대표적인 예입니다. 이 그림은 움직임, 에너지, 감정의 강력한 이미지입니다. 추상 표현주의 운동의 중요성과 현대 미술에 미치는 영향을 보여주는 작품입니다.

 

9위. 누워있는 나부

(19금)

금액 : 1,817억 원

화가 : 아메데오 모딜리아니

 

누워있는 나부 리뷰

• Amedeo Modigliani의 누워있는 나부(Reclining Nude)는 1917년에 그린 이탈리아 예술가의 유화입니다. 붉은 소파 위 파란색 쿠션에 누워 있는 나체 여성을 묘사한 세로 형식의 그림입니다.
• 이 여성은 긴 검은 머리카락과 아몬드 모양의 눈을 가진 이상화된 모딜리아니의 전형적인 여성 형상입니다.
• 그녀는 오른팔을 머리 뒤로 뻗고 왼팔은 몸 옆에 뉘인 채 편안한 자세를 취하고 있습니다. 그녀의 표정은 평온하고 고요합니다.

누워있는 나부 특징

• 이 그림은 Modigliani의 대표작 중 하나로 간주됩니다. 그의 독특한 스타일과 여성의 관능적인 묘사를 보여주는 대표적인 예입니다.
• 이 그림은 파리에서 살면서 궁핍과 병에 시달리던 시기에 그렸습니다.
• 그는 자신의 연인이자 뮤즈였던 잔느 에뷔테른(Jeanne Hébuterne)을 포함한 많은 누드화를 그렸습니다.

뉴욕 현대 미술관

• 누워있는 나부는 여러 차례 소유주가 바뀌었고 현재는 뉴욕 현대 미술관(MoMA)에 소장되어 있습니다.
• 2015년에는 1억 7천 40만 달러에 낙찰되어 경매에서 판매된 그림 중 가장 비싼 작품 중 하나가 되었습니다

 

8위. 알제의 여인들 버전O

알제의 여인들 버전O

 

금액 : 1,913억 원

화가 : 파블로 피카소

 

알제의 여인들 버전 O에 대해 궁금하시군요! 1955년에 제작된 피카소의 이 버전은 15개의 버전 중 가장 유명하고 값비싼 작품으로 꼽힙니다.

 

버전 O의 특징

• 강렬한 색채와 단순화된 형태: 붉은색, 주황색, 노란색 등의 강렬한 색채와 단순화된 형태가 특징입니다. 이는 피카소의 큐비즘 시대 스타일을 잘 보여줍니다.
• 오리엔탈리즘 표현: 알제의 여성들을 이국적인 대상으로 표현하여 당시 프랑스 사회의 오리엔탈리즘 시각을 반영하고 있습니다.
• 여성들의 표정: 여성들의 얼굴에는 억압과 고뇌, 그리고 미묘한 감정이 표현되어 있습니다. 이는 프랑스 식민지 지배 하에 있던 알제 여성들의 삶을 상징한다고 해석됩니다.

버전 O의 의미

• 프랑스 식민지 지배에 대한 비판: 버전 O는 프랑스 식민지 지배 하에서 억압받는 알제 여성들의 모습을 통해 식민주의에 대한 비판을 담고 있다고 해석됩니다.
• 여성의 성적 대상화에 대한 비판: 여성들을 이국적인 대상으로 표현한 점은 당시 사회의 여성 성적 대상화에 대한 비판으로도 해석됩니다.
• 예술적 가치: 버전 O는 단순히 정치적 메시지를 담은 작품이 아니라, 강렬한 색채와 단순화된 형태를 통해 예술적 가치도 높이 평가받고 있습니다.

버전 O에 대한 다양한 관점

• 페미니즘 관점: 버전 O는 여성을 성적 대상화한다는 비판과 함께, 여성들의 억압된 삶을 표현하여 페미니즘적 메시지를 담고 있다는 긍정적인 평가도 받습니다.
• 식민주의 관점: 버전 O는 프랑스 식민지 지배에 대한 비판적 메시지를 담고 있다는 해석이 주를 이루지만, 일부에서는 식민주의 시각을 강화한다는 비판도 있습니다.
• 예술적 관점: 버전 O는 예술적 가치 측면에서 높은 평가를 받지만, 동시에 정치적 메시지와의 관계에서 다양한 해석이 존재합니다..

 

7위. 마르텐 솔만스와 오피옌 코피트의 초상화

 

 

 

금액 : 1,920억 원

화가 : 렘브란트

 

소개

• 네덜란드 화가 렘브란트 하르멘손 반 라인(Rembrandt Harmenszoon van Rijn)의 마르텐 솔만스와 오피엔 코피트의 결혼 초상화는 1634년에 제작된 네덜란드 황금시대의 대표적인 걸작입니다.
• 이 작품은 암스테르담의 부유한 상인이었던 마르텐 솔만스(Maerten Soolmans)와 그의 아내 오피엔 코피트(Oopjen Coppit)의 결혼을 기념하기 위해 의뢰되었습니다.

초상화

• 이 그림은 캔버스에 유채로 그려진 실물 크기의 전신 초상화입니다.
• 솔만스는 검은색 옷을 입고 오른손에 장갑을 끼고 왼손을 칼자루에 대고 서 있습니다.
• 코피트는 화려한 흰색과 금색 드레스를 입고 왼손에는 꽃다발을 들고 있습니다.
• 두 사람은 모두 관객을 바라보고 있으며, 그들의 얼굴에는 행복하고 만족스러운 표정이 어려 있습니다.

특징

• 이 그림은 렘브란트의 초기 작품 중 하나이지만 이미 그의 독창적인 스타일을 잘 보여주고 있습니다.
• 렘브란트는 빛과 그림자를 사용하여 피사체의 볼륨과 질감을 강조했습니다.
• 또한 그는 솔만스와 코피트의 얼굴 표정을 세밀하게 표현하여 그들의 성격과 감정을 생생하게 드러냈습니다.

대표작

• 마르텐 솔만스와 오피엔 코피트의 결혼 초상화는 렘브란트의 대표작 중 하나로 평가받고 있습니다.
• 이 그림은 17세기 네덜란드 초상화의 걸작으로 여겨지며, 렘브란트의 뛰어난 기술과 예술적 감각을 잘 보여주는 작품입니다.

박물관

• 이 그림은 원래 로스차일드 가문이 소장하고 있었지만 2016년에 네덜란드 국립박물관과 프랑스 루브르 박물관이 공동 구매하여 현재 두 박물관에서 번갈아 전시하고 있습니다.

 

6위. No.6

 

금액 : 2,000억 원

화가 : 마크 로스코

 

마크 로스코는 추상 표현주의 운동의 선구자였던 20세기 러시아 태생의 미국 화가였습니다. 그는 거대한 형식의 추상 색면 그림으로 가장 잘 알려져 있습니다.

 

특징

• 로스코의 작품은 1940년대 초반부터 추상화되기 시작했습니다.
• 1950년대 초반까지 그는 대형 색면으로 구성된 작품을 그리기 시작했습니다.
• 이러한 작품은 종종 캔버스의 가장자리까지 뻗어 있으며 시청자를 사로잡는 몰입감 있는 경험을 만듭니다.

영적인 해석

• 로스코의 그림은 종종 감정적이고 영적인 것으로 해석됩니다.
• 그는 자신의 작품이 보는 사람이 자신의 내면의 감정과 경험과 연결되기를 바랐습니다.
• 그는 "내 그림은 내면의 드라마다"라고 말했다. "그들은 내 자신의 모든 감정, 희망, 꿈, 공포를 표현합니다."

박물관

• 로스코의 작품은 세계의 주요 박물관에 소장되어 있습니다. 뉴욕 현대 미술관(MoMA)과 런던 테이트 모던 등이 있다.
• 그는 또한 뉴욕의 로스코 채플(Rothko Chapel)을 디자인했습니다. 이는 명상과 기도를 위한 공간으로 의도된 그의 작품의 영구적인 설치입니다.

 

5위. No.17A

No.17A

 

금액 : 2,133억 원

화가 : 잭슨 폴록

 

소개

• 잭슨 폴록의 작품 17A는 1948년에 제작된 대형 추상 표현주의 그림입니다.
• 캔버스에 에나멜과 유화입니다. 이 작품은 폴록의 가장 유명하고 중요한 작품 중 하나로 간주됩니다.

특징

• 이 그림은 캔버스 전체에 흩뿌려진 굵은 섬유질의 붓놀림과 얇은 물감 층이 특징입니다.
• 색상은 갈색, 흰색, 검은색, 노란색 및 녹색입니다.
• 이 작품은 움직임과 에너지의 감각을 불러일으키며 종종 자연 세계와 비교됩니다.

기법

• 17A는 1948년 폴록이 뉴욕 스프링스에서 살았던 시기에 그렸습니다.
• 그는 당시 그의 경력에서 매우 생산적이고 혁신적인 시기를 보내고 있었습니다.
• 그는 "드리핑"이라는 기법을 개발하는 중이었는데, 여기서 그는 캔버스에 페인트를 붓거나 붓에서 흘려보냈습니다.
• 이 기법을 사용하여 폴록은 제스처와 우연의 요소를 그의 그림에 통합할 수 있었습니다.

보관

• 17A는 비평가와 대중 모두로부터 찬사를 받았습니다.
• 그것은 추상 표현주의 운동의 주요 작품으로 간주됩니다.
• 이 작품은 뉴욕 현대 미술관(MoMA)을 비롯한 전 세계의 여러 박물관에 소장되어 있습니다.

 

4위. 언제 결혼하니

 

금액 : 2,246억 원

화가 : 폴 고갱

 

작품의 특징

• 강렬한 색채: 붉은색, 노란색, 파란색 등의 강렬한 색채를 사용하여 여성의 피부와 옷을 표현했습니다.
• 단순화된 형태: 여성의 얼굴과 몸은 단순화된 형태로 표현되었습니다.
• 평면적인 구도: 배경과 인물이 하나의 평면에 배치되어 있습니다.
• 원시주의: 타히티의 원시적인 문화와 자연을 표현했습니다.

작품의 의미

• 결혼에 대한 질문: 작품의 제목은 "언제 결혼하니?"이며, 앞쪽 여성의 귀에 꽃이 꽂혀 있는 것을 보면 결혼을 고민하는 여성을 표현한 것으로 해석됩니다.
• 성숙과 순수의 대비: 앞쪽 여성은 붉은색 드레스를 입고 과일을 들고 있어 성숙함을, 뒤쪽 여성은 흰 드레스를 입고 꽃을 들고 있어 순수함을 표현한 것으로 해석됩니다.
• 원시적인 삶에 대한 동경: 고갱은 문명사회의 삶에 지쳐 타히티로 떠났습니다. 이 작품은 원시적인 삶에 대한 고갱의 동경을 표현한 것으로 해석됩니다.

작품의 가치

• 고갱의 대표작: "언제 결혼하니?"는 고갱의 대표작 중 하나입니다.
• 인상주의 이후 새로운 미술의 방향을 제시: 강렬한 색채와 단순화된 형태는 인상주의 이후 새로운 미술의 방향을 제시했습니다.

 

3위. 카드놀이하는 사람들

카드놀이하는 사람들

 

금액 : 2,900억 원

화가 : 폴 세잔

 

카드놀이 하는 사람들

• 폴 세잔의 카드놀이하는 사람들은 1890년대 후반에 그린 연작 유화입니다.
• 세잔은 5개의 버전을 그렸습니다. 카드놀이를 하는 사람들, 두 사람 버전과 세 사람 버전이 있습니다.

특징

• 카드놀이하는 사람들은 세잔이 가장 잘 알려져 있고 널리 찬사를 받는 작품 중 하나입니다. 그들은 현대 미술의 선구자로 여겨지며 후기 인상주의 운동에 큰 영향을 미쳤습니다.
• 이 그림은 프랑스 프로방스의 에 Aix-en-Provence에서 세잔의 작업실에서 카드놀이를 하는 친구들과 농민들을 모델로 했습니다. 세잔은 단순한 장면을 묘사하지만, 그는 색채, 형태, 구성을 사용하여 복잡하고 다층적인 작품을 만들어냈습니다.

그림

• 그림 속 인물들은 테이블 주위에 모여 카드놀이에 열중하고 있습니다.
• 그들은 모두 평범한 옷을 입고 있으며, 그들의 표정은 집중되거나 사려 깊습니다.
• 방은 소박하게 꾸며져 있고 벽에는 벽난로와 그림이 걸려 있습니다.

색채와 형태

• 세잔은 색채와 형태를 사용하여 그림에 긴장감과 역동성을 불어넣습니다.
• 테이블보는 빨간색, 파란색, 노란색의 활기찬 색상으로 되어 있으며 벽은 녹색과 갈색의 어두운 색상으로 되어 있습니다.
• 인물은 다양한 각도로 배치되어 공간감을 느낄 수 있습니다.

독창적인 스타일

• 카드놀이하는 사람들은 세잔의 독창적인 스타일을 보여주는 작품입니다.
• 그는 전통적인 원근법과 모델링 기법을 거부하고 대신 색채와 형태를 사용하여 자신의 독특한 시각을 창조했습니다.
• 이 그림은 현대 미술의 발전에 중요한 역할을 했으며 오늘날에도 여전히 널리 찬사를 받고 있습니다.

 

2위. 인터체인지

 

 

 

금액 : 3,200억 원

화가 : 웰렘 드 쿠닝

 

소개

• Willem de Kooning의 Interchange는 1955년에 제작된 추상 표현주의 유화입니다.
• 이 작품은 200.7 x 175.3cm 크기의 캔버스에 유화로 되어 있으며 붓놀림과 긁힘이 있는 활기찬 추상 구성입니다.
• 빨강, 파랑, 노랑, 검은색 등의 색상이 사용되었습니다.

특징

• Interchange는 추상 표현주의 운동의 주요 작품으로 간주됩니다.
• 이 작품은 드 쿠닝의 힘찬 붓놀림과 활기찬 색채 사용을 특징으로 합니다.
• 이 작품은 또한 추상적이면서도 인물적이라고 해석될 수 있는 모호함으로도 유명하다.

보관

• 인터체인지는 비평가들의 찬사를 받았습니다. 이 작품은 "미국에서 가장 위대한 그림 중 하나"라고 불렸으며 "추상 표현주의의 걸작"으로 묘사되었습니다. Interchange는 뉴욕 현대 미술관에 소장되어 있습니다.

 

1위. 살바토르 문디

살바토르 문디

 

금액 : 4,800억 원

화가 : 레오나르도 다빈치

 

소개

• 레오나르도 다빈치의 살바토르 문디(Salvator Mundi)는 세계에서 가장 유명하고 가치 있는 그림 중 하나입니다.
• 예수 그리스도를 묘사한 르네상스 시대의 초상화이며 수세기 동안 사본으로만 알려져 있었습니다.
• 2005년 뉴욕 예술상인이 1,175달러에 구입한 후 복원되었고, 이후 다빈치의 진품으로 확인되었습니다.
• 2017년에 4억 5천3백만 달러에 팔려 사상 최고가에 낙찰된 그림이 되었습니다.

특징

• 그림은 파란색과 흰색 옷을 입고 투명한 구체를 든 예수 그리스도를 묘사하고 있습니다.
• 그는 축복의 손짓을 하고 있으며 그의 얼굴에는 부드러운 표정이 있습니다. 배경은 어둡고 신비로운 분위기를 조성합니다.

이슈

• Salvator Mundi는 다빈치의 진품으로 확인된 이후 많은 논쟁의 대상이 되어 왔습니다.
• 일부 전문가들은 그림이 다빈치의 작품이 아니라고 주장하는 반면, 다른 전문가들은 그림이 다빈치의 진품이라고 확신합니다.
• 논쟁은 그림의 스타일과 기법, 그리고 복원 과정에 대한 우려에서 비롯되었습니다.

결론

• 논란에도 불구하고 Salvator Mundi는 여전히 세계에서 가장 중요하고 가치 있는 그림 중 하나로 여겨집니다.
• 다빈치의 희귀한 작품이며, 르네상스 시대의 걸작으로 간주됩니다.
• 현재 사우디아라비아 정부 소유이며, 아직 공개 전시되지 않았습니다.

 

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